Ist Malerei klein das nächste große Ding?

Klein mag schön sein, aber wenn es um abstrakte Malerei geht, ist sie selten in Mode. Big steht spätestens seit Jackson Pollock im Mittelpunkt; die kleinen Abstraktionen von Malern wie Myron Stout, Forrest Bess und Steve Wheeler werden meist in die Flügel gedrängt, um dort als exzentrisch oder zu kostbar zu gelten. Paul Klee war wohl das letzte Genie der kleinen Abstraktion, dem eine vollwertige Mitgliedschaft im Kanon der Moderne zuerkannt wurde.

Aber was an den Rand gedrängt wird, kann auch zu einer Form von Dissens werden, um den vorherrschenden Argumenten entgegenzutreten und ihre Fallstricke zu umgehen. Es ist zum Beispiel schwer, klein zu arbeiten und sich dem unglaublichen Ausmaß des Spektakels hinzugeben, das heute so viel Kunst heimsucht. In einer Zeit des Überflusses und der Verschwendung an allen Fronten haben Kompression und Wirtschaftlichkeit einen unbestreitbaren Reiz. Und wenn ein großes Kunstwerk eines ist, das in allen seinen Teilen essentiell ist, das nichts überflüssiges hat oder das abgezogen werden kann, kann kleine Arbeit die Chancen verbessern.

Kleine Gemälde der abstrakten Art haben gerade in New York einen Moment, mit einer leuchtenden Ausstellung im New Museum of Contemporary Art, die das schiefe, sorgfältig gearbeitete Werk der deutschen Malerin Tomma Abts beleuchtet; und PaceWildenstein präsentiert in Chelsea die neuesten Arbeiten von James Siena und Thomas Nozkowski, zwei älteren amerikanischen Geniessern der Abstraktion im Kleinformat. Sogar die Nachkriegsmoderne könnte ein wenig verkleinert werden, mit einer Ausstellung mit dem Titel Suitcase Paintings: Small Scale Abstract Expressionism, die nächsten Monat am Baruch College eröffnet wird.

Vier junge Maler, die sich der Kleinheit annehmen, haben jetzt Einzelausstellungen ?? drei davon New Yorker Debüts ?? die die Bedeutung der großen Leinwand in Frage stellen.

Kleine Abstraktionen vermeiden die lange realistische Tradition der Malerei als Fenster, aber auch die kürzere, spätmoderne der Malerei als flache Wand. Stattdessen orientieren sich diese kleineren Werke an weniger gepriesenen (und manchmal weniger männlichen) Konventionen: der gedruckten Seite, illuminierten Manuskripten, Ikonen und Tafeln.

Und doch, wie jede dieser vier Ausstellungen zeigt, erlaubt die Abstraktion trotz des begrenzten Platzes eine ernsthafte Auseinandersetzung mit dem Prozess. Dies erweitert die ohnehin schon beachtliche Freude beim Betrachten von Bildern, die nicht viel größer als der Kopf sind.

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Scott Olson

Die bewusst improvisierten Geometrien von Scott Olsons Gemälden, die er bei seinem New Yorker Debüt bei Taxter & Spengemann in Chelsea zu sehen bekam, erinnern an Manuskript-Illumination, die durch den Konstruktivismus und andere abstrakte Stile gefiltert wurde. Seine Farben haben eine leicht verwässerte, rückwirkende Subtilität; häufig sind sie durchscheinend, um die komplexen Entscheidungen und aufwendigen Prozesse zu offenbaren, die in jedem Werk verpackt sind.

Verschiedene physikalische Träger (Leinwand, Faserplatten, stark gessoed Holz) komplizieren Herrn Olsons Prozesse zusätzlich. In Untitled (N. 7) und Untitled (N. 32) haben Taping und Retaping Scherben von scharfer Farbe hinterlassen, die sich wie kleine Ruinen von absorbierenden Grau- und Schwarztönen abheben. In Untitled (N. 31) und Untitled (N. 8) werden die Formen in dünnen Glasuren mit feinen, abwechslungsreichen Texturen aufgetragen, wodurch Echokammern der Form entstehen, die an facettierte Juwelen erinnern, abgeflacht.

Mr. Olson möchte eindeutig Bilder machen, deren Kleinheit es nicht ausschließt, bei jedem Blick etwas Neues zu entdecken.

Katy Moran

Die kleinen Gemälde in Katy Morans erster New Yorker Ausstellung bei Andrea Rosen in Chelsea stehen in einer anderen Tradition ?? die Plein-Air-Ölskizze. Aber sie verwandelt ihre Leinwand, die immer 15 mal 18 Zoll misst, in eine sehr kleine Arena, in der sie agieren kann. Ihre temperamentvolle Pinselführung erzeugt eine fast komische Gestik und Bewegung, als ob eine Liliputanerin mit überwältigendem Ehrgeiz herumstürmte, gefiederte Locken verteilt und Farblinien schneidet.

Diese Markierungen summieren sich häufig zu kleinen Rokoko-Set-tos, die selbst rauschende Figuren implizieren ?? Handgemenge und Scharmützel zwischen Wesen, die sich zu schnell bewegen, um identifiziert zu werden. Sie können Menschen sein (siehe die horizontale Rolle von Treffen in Liebe), Vögel (die Konfrontation der Hackordnung) oder ein ganz anderes Tier (Orton). Oder sie können nichts dergleichen sein.

Die beiden braun-auf-violetten Gipfel von Hoopers Retreat deuten auf eine zusammengepflasterte Hütte mit Hooper als rosa Punkt in der Mitte hin. Manchmal tauchen aus der Verwirrung Andeutungen von Seestücken oder Stillleben auf.

Die Farben von Frau Moran hingegen sind zurückhaltend und lichtdurchflutet: eine breite Palette von zarten Grautönen, malvenfarbenen Brauntönen, gelblichen Tans und unterschiedlichen Weißtönen, die die Malaktion unverwechselbar machen. Ihr Ziel scheint es zu sein, dem Verfahren einen Hauch von Würde zu verleihen, aber es ist der Tumult, der in der Luft hängt.

Matt Connors

Farben erhellen und Geometrie kehrt in Enjambment zurück, Matt Connors' verlockender Ausstellung in der Downtown Gallery Canada, wo seine kastenförmigen Kompositionen aus Brettern oder Bändern in kontrastierenden Farbtönen bestehen.

Die Arbeiten von Mr. Connors können sich manchmal in Richtung mittlerer Größe bewegen, zumindest im Vergleich zu den anderen drei Künstlern. Der Kubismus der dritten Welle (keine Berührung) misst zum Beispiel 34 x 36 Zoll ?? aber es ist eine Ausnahme. Wie der Titel schon sagt, beschäftigt sich Mr. Connors sehr mit Modernism. Das Raster, das Monochrome, das Minimale, das Konzentrische und das Parallele werden mit einem Nicken, aber auch einem Augenzwinkern versehen. Aber wenn er reichlich vorhanden ist, sind seine Farben festlich und wirken ein wenig billig.

Hier herrscht eine fröhliche Secondhandness, ein Gefühl von vagen Aneignungen und namenlosen Quellen am Werk. Und Abstraktion wird als eine Art Objekt betrachtet. Ein Werk ohne Titel schwebt ein grün umrandetes schwarzes Quadrat auf rohem Leinen: Es ist weniger ein abstraktes Gemälde als ein Gemälde von einem.

Und Kleinheit schließt Installationskunst nicht aus. Die Motive von Reading Room sind tatsächlich auf zwei verschiedenen Leinwänden gemalt, eine kleinere lehnt an einer etwas größeren, die beide auf einem schmalen, in die Wand eingebauten Regal sitzen. Eine andere Arbeit, deren dunkle Schleier an die Farbfeldmalerei erinnern, hängt an einem schwarzen Rechteck, das direkt an die Wand gemalt ist.

Michaela Eichwald

Michaela Eichwald kommt aus Köln, wo sich die abstrakte Malerei dank Künstlern wie Jutta Koether, Michael Krebber und Kai Althoff seit fast zwei Jahrzehnten in einem fruchtbaren abweichenden Modus bewegt. Frau Eichwalds New Yorker Debüt bei Reena Spaulings Fine Art Downtown trägt den Titel Ergriffenes Dasein: Artist Writer Mentalist. (Die Veröffentlichung der Galerie übersetzt den ersten Satz als Vom Leben bewegt.)

Frau Eichwalds Arbeit führt die Abweichung fort, treibt sie jedoch in eine Richtung ihrer eigenen Wahl. Sowohl ihre Gemälde als auch die wenigen kleinen Skulpturen, die sie zeigt, haben eine zufällige Qualität: Sie enthalten oft gefundene Gegenstände oder Bilder und strahlen eine Außenluft aus. Lack ist ein häufiges Material, was dazu führt, dass die Farben satt sind und die Oberflächen zum Glänzen neigen und an Keramikplatten oder Cloisonné erinnern.

Die Bildsprache von Frau Eichwald tendiert zu einem spielerischen, vage figurativen Expressionismus. Die meist violette, knisternde Oberfläche von N.Y.C. birgt ein Gesicht mit großen türkisfarbenen Zähnen. Es könnte fast ein Teller von Picasso sein. Bestimmte Eigenschaften ?? wie der braune Fleck mit Rot in Struck oder das große A und der kalligrafische Baum von A-Abre, eingerahmt in Pink, Rot und Blau ?? qualifizieren sich als Neo-Expressionismus, aber sie fügen eine weitere Ebene des Selbstbewusstseins hinzu, indem sie den Stil auf eine überschaubare Größe schrumpfen. Es steht beispielhaft für eine der vielen Freuden des Kleinen.